Viaje
Esta historia fue producida por el Programa de Corresponsales Glimpse.
En los primeros disturbios de la Segunda Guerra Civil IVoriana en febrero de 2011, Aboudia Abdoulaye Diarrassouba escapó de su apartamento en Abobo a la casa de su agente Stefan Meisel en el barrio de Abidjan de Riviera Golf. El 30 de marzo de 2011, estalló la batalla por Abidjan. El joven pintor marfileño estuvo confinado en el taller en la casa de Stefan durante 10 días.
Durante el día, Aboudia trabajaba en el garaje a solo 12 metros del caos en las calles de Abidjan. Entre pausas en la lucha, él miraría por encima de las paredes. Vio cuerpos dispersos en las calles. Los cuerpos recibieron unos días de gracia, y luego se colocaron neumáticos encima de ellos y se prendieron fuego. Cuando se agregaban madera y basura, el humo espeso y picante eventualmente se disiparía. Las cenizas restantes fueron esparcidas en los arbustos o barridas en el desagüe.
Pintó lo que vio: "lo cotidiano, mi entorno, mi contexto".
Cuando Aboudia se quedó sin suministros, mezcló las pinturas restantes o buscó materiales. Cuando se aventuró afuera 10 días después, había completado 30 pinturas.
Después de diez años de guerra civil, los expatriados se convierten en mecenas de las artes en Costa de Marfil
Mi novio Manu y yo vivimos en Riviera Golf, a la vuelta de la esquina de Aboudia. Nos mudamos aquí desde Toronto en enero para seguir nuevas carreras: trabaja para una organización que ayuda a los empresarios a construir negocios sostenibles; Me estoy centrando en la escritura independiente.
Cuando llegamos, solo podía ver los restos de la guerra: los edificios ennegrecidos, los soldados armados, las rejillas de hierro en las puertas.
Un mes después, hice un esfuerzo por prestar más atención a mi entorno y menos atención al contexto sobre el que había leído tanto. Pude ver que los marcos a medio terminar de las casas estaban adquiriendo ladrillos y mortero; Habían surgido cercas y junto a ellas, mesas destartaladas repletas de mangos, piñas y botellas turbias de nueces de cola.
Cuando llegamos, solo podía ver los restos de la guerra: los edificios ennegrecidos, los soldados armados, las rejillas de hierro en las puertas.
Y, sin embargo, lo que vio Aboudia el año pasado sucedió a solo cinco minutos de donde vivimos.
En los años posteriores a la independencia en 1960, Costa de Marfil fue un modelo de estabilidad para África Occidental bajo la presidencia de Félix Houphouët-Boigny, quien reinó durante 33 años en relativa paz. Houphouët-Boigny fue instrumental en la campaña por la independencia del país, pero alentó a los técnicos franceses a quedarse y desarrollar Costa de Marfil.
En 1978, Costa de Marfil había sucedido a Ghana como el principal productor y exportador de cacao del mundo. El presidente Houphouët-Boigny alentó a la inmigración a satisfacer la demanda mundial de cacao. Los ciudadanos de países vecinos como Mali, Burkina Faso y Guinea fueron atraídos por la prosperidad económica de Costa de Marfil; en 1980, el 26% de la población era extranjera. Dos años después, los ingresos por exportaciones se duplicaron.
Pero la bendición económica fue de corta duración: una recesión mundial, sequía y una caída en los precios internacionales del cacao y el café hundieron al país en una crisis económica. Las tensiones aumentaron en parte debido a los millones de burknabés que viven en Costa de Marfil en busca de trabajo. Los marfileños “nativos” se molestaron con los inmigrantes a quienes ahora acusaron de robar sus medios de vida. Tras la muerte de Houphouët-Boigny en 1993, el país comenzó a degenerar en el caos.
Las tensiones entre marfileños e inmigrantes estallaron en la primera Guerra Civil de Costa de Marfil en 2002. La guerra estalló entre las fuerzas del presidente Laurent Gbagbo, quien avivó las llamas xenófobas del país contra su rival, Alassane Ouattara, un musulmán del norte del país cuya herencia marfileña era siendo interrogado, y las Forces Nouvelles de Côte D'Ivoire, que representan a los musulmanes del norte que apoyaron a Ouattara y sintieron que habían sido marginados por los cristianos del sur.
La guerra terminó en 2004, pero las fuerzas de paz francesas y de la ONU continuaron patrullando la zona que separaba el norte controlado por los rebeldes del sur controlado por el gobierno. Las elecciones se retrasaron continuamente por Gbagbo y la inquietud general del país, y no se celebraron hasta 2010, cinco años después de que el mandato de Gbagbo debería haber terminado. Luego, Gbagbo se negó a conceder la derrota a Ouattara, y comenzó la Segunda Guerra Civil de Costa de Marfil, matando a más de 3.000 personas.
Durante esta década de conflicto, muchas compañías cerraron o se mudaron, lo que provocó pérdidas masivas de empleos. Al 30 de noviembre de 2011, el Banco Mundial dijo que cuatro millones de hombres jóvenes estaban desempleados en un país de 21 millones.
Para los artistas de Costa de Marfil, la guerra civil dañó una infraestructura que tenía pocos mecanismos de apoyo para comenzar; Incluso en tiempos menos volátiles, los artistas se vieron en apuros para ganarse la vida con las cargas gemelas de diez años de conflicto y la disminución de la inversión extranjera (en forma de turistas y mecenas).
En julio pasado, el Ministro de Cultura y Francofonía, Maurice Bandama, dijo que los próximos proyectos del gobierno, que incluían festivales y una base de datos centralizada de lugares de arte y cultura, encenderían un renacimiento cultural en Costa de Marfil: “[Se trata de] desplegar todo artistas, cineastas, pintores para ayudar a la curación y la cohesión social ", dijo. "Nuestro trabajo [es hacer] que este sector sea rentable".
El lema del ministerio es: "El arte y la cultura nos reconciliarán".
Pero Bandama admitió que hubo desafíos en la restauración de la infraestructura debido al saqueo, incluso el Palacio de Cultura cerró durante semanas a raíz de las elecciones de 2010. Su rehabilitación era simbólica del deseo del país de avanzar.
Aún así, una escena de arte contemporáneo necesita más que un lugar renovado para prosperar: debe establecer una industria para comercializar sus obras, un lugar con galerías y coleccionistas, críticos y un público dedicado. Sobre todo, una floreciente escena de arte contemporáneo necesita continuidad.
Hay algunos marfileños que defienden la causa de los artistas contemporáneos en Costa de Marfil: Simone Guirandou-N'Diaye, comisionada de la primera Exposición Internacional de Artes Visuales, celebrada en el Palacio de Cultura en diciembre pasado, en la que 50 artistas locales y 15 artistas extranjeros participaron; Augustin Kassi, nacido en Abidjan, quien fundó la Bienal de Arte Naive en 1998, y utiliza el festival como una plataforma para promover a otros artistas de África Occidental; e Illa Donwahi, quien creó la Fundación de las Artes Charles Donwahi en 2008 para responder a los canales de distribución, museos y galerías inadecuados (o ausentes) para artistas emergentes. La fundación incluye tres villas, dos apartamentos y una residencia para artistas.
También hay colectivos de arte locales, pero estos grupos no generan los fondos necesarios para que los artistas sean autosuficientes, aunque sí proporcionan un sistema de apoyo y un sentido de solidaridad. Unirlos con otros grupos afines fuera del país es una tarea hercúlea en sí misma. La escasez de bases de datos centralizadas y las ubicaciones remotas de algunos de los artistas pueden hacer que las reuniones sean imposibles. Una base de datos pública permitiría a los artistas llegar fácilmente a compradores, pares y galeristas interesados y facilitaría reuniones para exposiciones, inauguraciones de galerías y festivales.
De hecho, la mayoría de los artistas emergentes en Costa de Marfil carecen de las conexiones con la comunidad artística mundial que les permita monetizar sus talentos. Y así, los expatriados se han invertido en revitalizar la escena del arte contemporáneo del país al alinearse con coleccionistas de arte, críticos y aficionados marfileños para convertirse en mecenas de las artes.
Djôly du môgôba
El ascenso de un artista marfileño
Un conejo demacrado raspó detrás del último lienzo de Aboudia, que se encontraba bajo un techo corrugado en el garaje del agente Stefan Meisel. Cuando Aboudia se mudó con Stefan, trajo dos conejos blancos, ahora Stefan los considera "nuestras mascotas en nuestro espacio de trabajo".
Stefan y yo estábamos sentados en la terraza. El conejo mordisqueó mis dedos cuando alcancé mi vaso de agua. Sus ojos eran brillantes y de bordes rosados; un grupo de pintura acrílica azul estaba incrustado en su pelaje.
Hace cinco años, Stefan "conoció a una chica" y la siguió a Abidjan desde Berlín. La ciudad le conviene, con su atuendo relajado y su comportamiento aún más relajado. Su camisa a rayas no estaba atada, su cabello en una coleta suelta. Estaba fumando su tercer cigarrillo del día.
Una vez, Stefan fue un artista por derecho propio, pero como lo dijo con franqueza, renunció porque se dio cuenta de que nunca sería un "artista de alto nivel". Entre sus otras profesiones, ha ocupado el codiciado puesto de fotógrafo para Côte. El equipo de fútbol de d'Ivoire, Les Éléphants, supervisó la producción de la guía telefónica del país. Ahora es el agente de varios artistas marfileños prometedores.
"Después de la primera revolución a finales de los noventa y luego la segunda el año pasado, Costa de Marfil se convirtió en un vacío cultural", dijo Stefan. "Pero ha cambiado en este momento con Internet e influencias externas".
Stefan descubrió a Aboudia a través de Facebook cuando vio las pinturas de Aboudia en la página de un amigo. Visitó el estudio de Aboudia en el distrito de Abobo y acordó pagarle a Aboudia una suma mensual de 300, 000 CFA ($ 570 USD), la mitad por sus materiales de pintura, la otra mitad por sus gastos de subsistencia. (Stefan me dijo que Aboudia gastó la mayor parte del dinero en los materiales).
Aboudia nació en Abengourou, un pequeño pueblo a unos 240 km de Abidjan. Cuando les dijo a sus padres que quería convertirse en artista, su padre lo echó de la casa, pero su madre le dio sus ahorros (15, 000 CFA, alrededor de $ 30 USD) para competir por una beca en Abidjan. Consiguió la beca, pero tuvo que dormir en su salón de clases porque no tenía dónde vivir. Por las mañanas, fingía que acababa de llegar "de un hogar que no tenía".
En diciembre de 2010, cuando las tensiones aumentaron y hubo brotes esporádicos de violencia en Abidjan, Aboudia se mudó a un estudio de 10 m2 sin ducha o inodoro, con solo cuatro pinturas a su nombre.
Vivía cerca de Abobogare, la estación de ferrocarril en uno de los barrios más densamente poblados de Abidjan. El área ha sido durante mucho tiempo un refugio para migrantes y otras personas empobrecidas. Se inspiró en los graffiti de los niños en las paredes públicas, cómo los niños usaban el carbón para garabatear imágenes de automóviles, televisores y otros símbolos de estatus.
"Los niños se convirtieron en mi modelo a seguir: los más débiles, no tomados en serio, rechazados, solos en su mundo", dijo Aboudia.
“Es un estilo infantil, como el graffiti que encuentras en la calle. Es como si estuvieran pasando un mensaje a través de mí.
Aboudia se refiere a su estilo artístico como "nouchi", la jerga urbana que hablan los jóvenes en Abidjan.
“Es un estilo infantil, como el graffiti que encuentras en la calle. Es como si estuvieran pasando un mensaje a través de mí.
Aboudia coloca el significado en sus pinturas al usar artículos reciclados como papeles de cigarrillos, sacos de cemento vacíos y cajas de fósforos "Afrika" aplanadas. En el garaje abierto, hay una estantería repleta de objetos encontrados: cómics, papeles de cigarrillos, libros ilustrados, portadas de revistas, diccionarios …
El primer paso en el proceso artístico es colocar un collage sobre lienzo. En una pintura, un cartel de Moulin Rouge se asoma por debajo de las manchas de tiza gris: "Descubre … el cabaret más famoso del mundo". En otra, la fotografía de un guerrero africano está perfilada en acrílico negro, sus rasgos borrados por la pintura.
En el segundo paso, Aboudia agrega pinturas acrílicas y luego termina el lienzo con crayones de pigmento y caolín, arcilla suave frotada sobre la piel de los participantes en las ceremonias tradicionales. Incluso ha usado café instantáneo para obtener el tono marrón correcto. El último paso es la adición de texto o números. El título generalmente se incorpora a su obra de arte: "Veneno electoral", "ONUCI" (la misión de la ONU en Costa de Marfil), "Interdit d'uriner" (Aquí está prohibido orinar).
Las primeras pinturas son principalmente en tonos tierra y pasteles. Los niños son figuras de palo, rodeados de las palabras tranquilizadoras de las figuras familiares: "Un beso, mamá", y los rostros tienen una suavidad, las cabezas ovales y los ojos y bocas redondeadas sugieren inocencia.
La pintura "No mear - te mete en problemas" se hizo en 2010 antes de que los niños estuvieran bajo la amenaza de una guerra civil. Las palabras "bien" y "palabre" (otra palabra para una pelea) cuelgan en el aire. La pintura recuerda una época en que la policía tuvo tiempo de lidiar con delitos menores.
Aboudia no tenía los $ 0.95 USD para tomar el tren, por lo que caminaría 30 km hasta el centro de Abidjan para mostrar sus pinturas a los galeristas. Su trabajo fue rechazado a menudo porque no reflejaba el arte tradicional africano en términos de técnica o contenido.
Históricamente, los occidentales han insistido en la identificación étnica para el arte africano; creen que debería reflejar la "cultura tradicional": una asociación con la magia o la brujería, la representación de animales africanos como leones y antílopes, el uso de colores naturales y materiales indígenas (como las esculturas de oro en Ghana o las tallas de madera hechas por los Baulé) gente de los árboles que bordean la costa de Costa de Marfil).
Con Internet y la creciente globalización, el arte marfileño está comenzando a incorporar técnicas e ideas occidentales. La tradición se está imaginando de diferentes maneras, y los usos clásicos de la forma y el color se están dejando de lado. Los artistas marfileños se esfuerzan por ser reconocidos como individuos en lugar de entidades que representan regiones, o todo el continente, de África.
"Hay muchos artistas que trabajan en un estilo tradicional africano y algunos están copiando estilos occidentales famosos y dándoles un" toque africano ". Pero solo hay unos pocos que tienen una identidad, un estilo individual”, dijo Aboudia. “Sabes, nos conocemos, a veces estamos haciendo una de las pocas exposiciones colectivas del año juntas, pero eso es todo. Estoy acostumbrado a estar solo, trabajando solo … que a la mayoría de los otros artistas no les gusta o no entienden mi trabajo ".
Cuando Aboudia finalmente vendió sus primeras pinturas, dijo que sus clientes eran "los blancos, embajadores [y] dueños de galerías en otros países".
En febrero pasado, los lienzos de Aboudia se hicieron más grandes, más ocupados y más oscuros, con cuerpos fantasmales y esqueléticos y pintura escarlata. Tienen un aspecto de pesadilla con bocas que se abren, dientes que se asemejan a lápidas y líneas y sienes duras y en ángulo recto.
Aboudia ha sido comparado con Jean-Michel Basquiat, el pintor nacido en Haití que comenzó su carrera como artista de graffiti en la ciudad de Nueva York. Aboudia ha adoptado algunas de las técnicas de Basquiat: las pinceladas espontáneas, los cráneos cuadrados y los dientes descubiertos, la combinación de texto, medios y códigos: logotipos, palabras, letras, números, pictogramas. (Aboudia pintó "Hommage to Basquiat" en el que una silueta de los icónicos rastas de Nueva York ocupa el centro del escenario).
Una de las pinturas más famosas de la guerra civil de Aboudia fue "Invisible Commando", en la que se muestra a un soldado disparando a un policía. Stefan dijo que era peligroso mostrar esta imagen durante el conflicto.
El "Comando Invisible" era el apodo del sargento Ibrahim Coulibaly. En enero de 2011, Coulibaly era el jefe de un grupo de milicianos que apoyaba al presidente electo Ouattara. Vivía en el antiguo barrio de Aboudia, Abobo, donde su milicia dirigió una serie de incursiones sorpresa contra las fuerzas pro-Gbagbo. Cuando Gbagbo fue depuesto, el presidente Ouattara comenzó a operar para desarmar a las milicias de ambos lados, pero Coulibaly se negó a abandonar sus armas y murió en un tiroteo el 27 de abril de 2011.
Los colores de camuflaje dominan la pintura, a excepción de un vehículo incandescente de Operaciones de las Naciones Unidas en Costa de Marfil (ONUCI) en el fondo. Un cartel de "Vote Gbagbo" se filtra por la esquina derecha del lienzo, mostrando al ex presidente confiado saludando al público.
Los artistas marfileños quieren que su obra de arte sea apreciada por sus propios méritos en lugar de las circunstancias en las que fue realizada.
La oscuridad del período es palpable en todas las pinturas de Aboudia durante la guerra. La superposición de imágenes rotas imita la brutalidad del entorno de Aboudia, destrozado por los soldados y los bombardeos. La ráfaga de números y letras en el fondo se suma a la confusión; la gente se distorsiona a través del lente de la guerra civil. Uno vislumbra cabezas y caras vendadas con los ojos abiertos.
Las pinturas inspiradas en la guerra civil atrajeron a Aboudia a la atención del público. Después de una considerable cobertura mediática internacional, el galerista Jack Bell realizó la primera exposición del pintor marfileño el verano pasado en Londres. Ahora Aboudia puede vivir cómodamente de sus ganancias.
“[El conflicto] es lo que le interesa a la gente, y abre la puerta. Pero debido a que fue reconocido en el mundo por sus pinturas de guerra, eso no significa que las pinturas anteriores fueran … menos ", dijo Stefan. "Pero fue el primer artista en pintar el documental sobre el conflicto".
Y Aboudia no se ve solo como un "pintor de guerra".
“Los conflictos son parte de la vida, como otras cosas positivas también. Mi papel es observar y pintar. Si no puedo hacer eso, entonces estoy perdido”, dijo. "Si puede ayudar a las personas a recordar lo que sucedió en los últimos meses, eso es bueno, pero sobre todo pinté estos trabajos para mí".
Como dijo Stefan, "pinta porque tiene que pintar".
A los artistas marfileños les molesta que el conflicto los defina, solo quieren dejarlo atrás. Los medios occidentales tienden a concentrarse en los aspectos más miserables de África occidental: guerra civil, pobreza, SIDA. Los artistas marfileños quieren que su obra de arte sea apreciada por sus propios méritos en lugar de las circunstancias en las que fue realizada.
“La guerra y la crisis que la precedieron fueron un episodio que documenté, ni más ni menos. Hoy he guardado mis pinceles de guerra y una vez más estoy pintando las pequeñas alegrías cotidianas de la gente”, dijo. "He comenzado a volver para ver a los niños de Abobogare".
Y Stefan está en proceso de lanzar la primera galería en línea de arte contemporáneo marfileño en octubre de 2012; representa su lista actual de clientes, incluidos Aboudia y el escultor Camara Demba. Ha nombrado el sitio web Abobogare.com.
Yubah trabajando con artistas jóvenes.
Viajando entre las costas de Europa y África
Virginia Ryan y Yubah Sanogo trabajan en el barrio Cocody de Abidjan. Virginia es una artista australiana casada con el embajador italiano en Costa de Marfil; Su residencia alberga un estudio de arte, donde Yubah, una nativa marfileña de ascendencia Senufo (un grupo étnico en el norte de Costa de Marfil), ha sido su asistente durante tres años. Yubah conmuta entre su hogar en la ciudad de Bingerville y Abidjan.
Cuando llegué a la Embajada de Italia, los guardias solicitaron una identificación, me dieron una rápida ojeada y abrieron la puerta. Llegué temprano y Yubah había salido a almorzar. Uno de los sirvientes me llevó a la terraza trasera, donde tenía una vista de un jardín con terrazas y vegetación y una piscina azul, donde dos guardaespaldas estaban tomando el sol.
Cuando Yubah dobló la esquina de la casa, llevaba los icónicos jeans del pintor y una camisa de golf a rayas. Bajamos los escalones de la terraza y nos dirigimos a la izquierda hacia el espacio de trabajo.
El estudio tenía dos áreas cubiertas. Uno estaba alfombrado en césped artificial para esculturas, como la cola de sirena gigante hecha de extensiones de cabello negro. También había una versión más pequeña de la cola de sirena, hecha de alambre, hilos de plástico y cabezas de muñecas de plástico, blanqueadas, parecían conchas bañadas por el sol. Virginia y Yubah recuperaron estos artículos de la costa de la laguna Ébrié, donde se encuentra Abidjan.
Durante la guerra del año pasado, Yubah viajó entre su propio espacio de trabajo en Bingerville y el espacio de trabajo que comparte con Virginia en la residencia de la embajada italiana. En el apogeo de la crisis en abril de 2011, no pudo salir de la residencia de la embajada, pero esto le permitió trabajar continuamente. Me dijo que pintó imágenes que estaban "oscuras y llenas de tristeza y paz" mientras los disparos sacudían a su alrededor. Para ilustrar el punto, me mostró una grieta en una de las paredes, donde una bala había rebotado.
La situación en Bingerville era peor. Mientras Yubah pintaba allí, la sangre salpicó su lienzo cuando una bala rozó a una mujer que caminaba con su hijo.
"Dejé la herida [en el lienzo] para decir 'nunca más'", dijo. “Me empujó a trabajar más duro; empuja quién soy y lo que pinto ".
Con cuidado quitó el plástico de un intrincado juego de cabezas de sirena que había hecho con Virginia para la exposición El espíritu del agua en noviembre de 2011. Desenterró objetos de papel maché adornados con detritos de la orilla: conchas, extremidades de muñecas y juguetes. soldados Tenían una maraña de extensiones de cabello y canicas para los ojos. Los artículos abandonados que se lavan en tierra son un tema recurrente en las obras de arte de Virginia y también se han infiltrado en el trabajo de Yubah.
Lo que mantuvo a sus "amigos artistas" en Abidjan durante la guerra del año pasado fue el conocimiento de que sus compañeros artistas también continuaron trabajando.
El espíritu del agua, la exposición de Virginia, se inspiró en la idea de que las mitologías viajan entre países y literalmente son arrastradas a tierra. Virginia identificó a la sirena como una "portadora de la mitología" clave entre europeos y africanos durante siglos.
En enero de 2010, Virginia pidió a artistas en Costa de Marfil y Ghana que crearan obras inspiradas en este tema de sirena. Con el apoyo de la Fundación Charles Donwahi para el Arte Contemporáneo, la exposición se inauguró el 25 de noviembre de 2011, con 50 obras, a medida que la crisis comenzaba a escalar. Los artistas se habían dado cuenta del tema de la sirena en todo, desde el batik tradicional hasta el bronce y el yeso.
Yubah produjo un cubo llamado "La Mère de la Mer" (La Madre del Mar). Cada lado del cubo está inundado de azul pálido; Por un lado, se ha cosido una cuerda al lienzo para crear una cola de sirena y mechones de cabello. Ahora se encuentra en la sala de estar de Virginia, una de las muchas piezas que ha comprado desde que llegó a Costa de Marfil en enero de 2010.
Una de las clientas de Stefan, Camara Demba, creó una escultura titulada "Mamiwata conoce Manga"; su sirena tiene una llamativa corona amarilla, cola gris y un torso verde oscuro. Salif Youssouf Diabagaté, nacido en Abidjan, pintó una sirena trágica y atrapada en la superficie de las bolsas postales reutilizadas, titulada "Visión de Mami Wata". Dramane Quattara, un escultor de Grand-Bassam, Costa de Marfil, creó dos moldes de sirenas retorciéndose en bronce, cada cabeza atada a la cola del otro.
También había una cola de sirena de papel maché en blanco con la palabra "paz" suspendida del techo. Los artistas invitaron a los asistentes a escribir sus comentarios al respecto en cualquier idioma. Se convirtió en el trabajo colectivo definitivo: una obra de arte concebida en el lugar y que solo podía completarse con las palabras de otras personas.
A principios de diciembre de 2010, la exposición fue cancelada debido a la guerra. Virginia se maravilló de la esperanza que tenía la gente en la exposición The Spirit of Water, solo unos meses antes de que la ciudad se derrumbara.
Pero estas no eran circunstancias desconocidas. El conflicto en Costa de Marfil desencadenó recuerdos del trauma que Virginia había experimentado "de tercera mano" en Belgrado a principios de los años noventa. Durante esa guerra civil, ideó formas de "salir de su propia piel como artista e imaginar otras formas de hacer arte con personas durante o después de situaciones como esa".
El movimiento constante ha caracterizado gran parte de la vida de Virginia. Ella ha vivido en Ghana, Egipto, Brasil y ex Yugoslavia.
"Pero en lugar de que se convierta en una especie de extravío … la experiencia del desplazamiento alimenta totalmente mi trabajo", dijo. "Siempre estoy tratando de crear algún tipo de estabilidad en medio de experiencias de movimiento".
Cuando ella y su esposo se mudaron a Edimburgo, Escocia, ella completó un diploma en terapia de arte. Reforzó su deseo de conectarse con otros grupos de artistas. Para ella, esta reunión de personas es parte del proceso de curación y también una forma de ayudar a los artistas emergentes. De hecho, lo que mantuvo a sus “amigos artistas” en Abidjan durante la guerra del año pasado fue el conocimiento de que sus compañeros artistas también continuaron trabajando.
"Creo que es extremadamente valioso que los artistas sigan haciendo su trabajo … es una señal de que hay algún tipo de cohesión social", dijo.
“El arte [siempre] está conectado a la acción social. Incluso si estoy en mi propia habitación haciendo algo que parece divorciado del resto del mundo, no es … En ese nivel, creo que [el arte] es valioso en sí mismo, no lo necesitas por otras razones”.
Virginia quisiera establecer una fundación similar a la que fundó en Ghana en 2004, creada para proporcionar una red activa para artistas y para desarrollar el arte contemporáneo en Ghana. Ha crecido a 100 miembros.
Ha sido un poco más difícil crear esa cohesión social en Abidjan, pero Virginia ha tenido cierto éxito en la promoción de artistas marfileños. Encabezó un grupo llamado Abidjan Anglophone Art Safaris. Se describe como "para los amantes del arte de África occidental, en inglés" y brinda a los expatriados la oportunidad de aprender sobre el arte contemporáneo y relacionarse con jóvenes artistas marfileños.
Los safaris de arte tienen que ver con la doble exposición: los aficionados al arte están expuestos al arte de África occidental y los artistas a un público más amplio y compradores potenciales. De hecho, la dualidad a menudo surge en la escena del arte contemporáneo en Costa de Marfil, ya se trate de la fusión de dos culturas o de técnicas clásicas y modernas.
La relación entre expatriado y artista no es unilateral. La interacción con artistas de África occidental ha alterado el arte de Virginia, desde sus temas hasta los materiales reciclados que usa. En muchos sentidos, Virginia es quien pretende estudiar: una mujer que viaja entre las costas de Europa y África.
Cuando se rescatan los artículos desechados, se vuelven multifacéticos: prácticos y ecológicos, porque la basura se convierte en arte; atemporal, porque obtienen una segunda vida a medida que migran de una orilla a otra, luego de sus entornos encontrados al lienzo del artista. También se convierten en artefactos imbuidos de historia cada vez que se recuperan de la orilla.
Cuando Virginia fue a Accra, cargó todos sus costosos suministros de arte, pero se sintió culpable de usarlos cuando nadie más podía pagarlos. Observó cuán creativos eran los artistas ghaneses al usar lo que los rodeaba y adoptó su filosofía.
En el arte tradicional de Costa de Marfil, la función es más apreciada que la forma. No se trata tanto de la belleza del objeto, sino del propósito al que sirve. Aunque los occidentales tienden a apreciar el arte por sí mismo, el arte de África occidental históricamente ha estado ligado a sus usos variables más que a su valor estético. Por ejemplo, una máscara puede representar ancestros o espíritus poderosos, y facilita la comunicación entre las personas y los seres sobrenaturales. Otros objetos están hechos en forma de figuras humanas y animales; Se utilizan para evitar los males de la enfermedad, los desastres naturales o la infertilidad.
Históricamente, el objeto debe ser útil antes de que pueda ser bello; Su belleza es simplemente parte de su función. Por esta razón, los artículos desechados tenían poco valor y se percibían como inútiles u obsoletos. Pero Virginia ha ayudado a eliminar esa estigmatización para Yubah, quien ahora los usa regularmente en su arte.
"Si reciclas un objeto y le das nueva vida, en cierto sentido se trata de esperanza y regeneración, y eso es lo que la gente necesita sentir después de una gran herida cortante como una guerra", dijo Virginia.
Al abrazar las técnicas marfileñas y europeas, se convierte efectivamente en un conducto que une la escena artística contemporánea marfileña con la global.
El uso de materiales reciclados por parte de Yubah no solo refleja un movimiento de arte contemporáneo, sino que también alienta a otros artistas a usar artículos rentables y disponibles para su arte, e imaginar diferentes usos para estos objetos: el alambre de gallina se puede moldear en joyería; las alas de mariposa se cosen para hacer un tapiz; los botes vacíos se convierten en una batería. Y se convierten, en efecto, en símbolos de la renovación del país después de la guerra civil.
En 2010, Yubah comenzó a trabajar con Terre des Hommes, una organización que dirige un programa de educación informal para niños de barrios marginales en el sureste de Costa de Marfil. Colaboró con estos niños en una escultura hecha con materiales agrícolas reciclados. También lo ayudaron a recuperar bolsas de agua de las calles y hojas hechas jirones y collares y zapatos desechados de la orilla. El producto final estaba recubierto con pintura blanca y decorado con un puñado de estrellas negras. El propósito de la escultura era demostrar a estos niños que ser artista no estaba fuera de su alcance.
Yubah también es presidente de un colectivo local, la Asociación de Jóvenes Artistas en Bingerville, que brinda a los artistas jóvenes apoyo y orientación después de que terminen la escuela.
"[Antes] cuando los artistas terminaron la escuela, no tenían dirección", dijo. “Así que decidimos trabajar juntos para volver a poner a estos estudiantes en contacto con [artistas más experimentados] para mejorar sus habilidades técnicas y profesionales. Queremos trabajar con todos los artistas visuales en Costa de Marfil y otros artistas [en África]”.
No hay cuota de membresía; en cambio, cada uno de los 50 artistas debe contribuir con una pintura para una exposición que esperan generará fondos para las necesidades de la asociación, que van desde materiales de pintura hasta el espacio de trabajo.
Durante la guerra del año pasado, los artistas de Bingerville colaboraron para garantizar que pudieran continuar haciendo arte compartiendo espacios de trabajo y suministros, y mostraron su solidaridad al continuar trabajando durante la crisis.
En el caso de Yubah, su obra de arte afirmaba otro hecho: al abrazar las técnicas marfileñas y europeas, se convierte efectivamente en un conducto que vincula la escena artística contemporánea de Costa de Marfil con la global.
"Hago una mezcla [de las formas de arte], porque a medida que me familiarizo con el mundo, quiero que cada persona se encuentre en mi trabajo, en mis pinturas", dijo.
Pies en la tradición, cabeza en el modernismo
Mère U (Madre U)
Galerie LeLab es un colectivo de artistas en el distrito de expatriados de Abidjan de la Zona 3, dirigido por un francés, Thierry Fieux. Fieux lanzó LeLab para promover y vender el trabajo de artistas marfileños contemporáneos. También invierte en capacitarlos sobre las prácticas actuales en las artes visuales para que sean más competitivos en el escenario mundial. Actualmente, LeLab exhibe las obras de seis artistas.
Tomando en serio el Ministro de Cultura y la afirmación de Francophonie de que los festivales son la base de cualquier cultura, Thierry lanzó el Festival Internacional de Artes Visuales de Abidjan en 2007.
Es un festival multidisciplinario, que presenta pinturas, esculturas, fotografías y un simposio, entre otras cosas. Su objetivo es unir a artistas de Europa, América, Asia y África en torno al tema del arte y el desarrollo. También destaca a los artistas emergentes que muestran sus obras de arte para su visualización y venta en Galerie LeLab. El festival se lleva a cabo durante tres semanas en la galería, la Fundación Charles DONWAHI para el Arte Contemporáneo y otros lugares artísticos en Costa de Marfil.
Al igual que la lista de artistas de Stefan, la mayoría de los artistas de Thierry son jóvenes marfileños que buscan ganarse la vida con su arte. Hay una clara falta de artistas marfileñas. Históricamente, las mujeres han sido excluidas del mundo de las bellas artes; El sesgo de género sigue siendo fuerte hoy en Costa de Marfil y persiste la idea de que el lugar de una mujer es el hogar, donde pueden criar a los niños y atender las tareas domésticas.
Uno de los artistas emergentes de Thierry es Djeka Kouadio Jean-Baptiste, quien expone regularmente en Galerie Lelab y fue asistente de Aboudia para el taller de arte en febrero. Al igual que Yubah, Djeka trabaja en su casa en Bingerville.
El pintor de treinta años nació en Bouaké, la segunda ciudad más grande de Costa de Marfil. Tiene una fuerte conexión con su herencia marfileña y lamenta el hecho de que sus antepasados son "intelectuales que han sido olvidados". En sus composiciones, dibuja símbolos de objetos tridimensionales como máscaras, estatuas, figuras y escalas para pesar a Akan oro.
Djeka se ha distinguido como artista al utilizar una técnica de impasto para representar los vínculos entre las personas, sus valores culturales y el universo. La técnica se llama "couler", donde deja que varios colores fluyan juntos en su lienzo. Sus pinceladas crean movimiento y tensión en sus pinturas. El grosor de la pintura y su uso de símbolos y patrones geométricos hacen que las pinturas parezcan tridimensionales. A veces coloca capas sobre papel de periódico, una técnica también utilizada por Aboudia. Reimagina las imágenes tradicionales y utiliza técnicas modernas para traducirlas a su lienzo.
Djeka dijo que se enfoca en la herencia esotérica y africana en su obra de arte. Quiere que el observador reflexione sobre las dimensiones espirituales e históricas de sus pinturas. Rinde homenaje a sus antepasados ("porque somos las personas actuales de una generación pasada"), pero también quiere desafiar su concepto del arte marfileño.
Djeka permaneció en Abidjan y pintó durante el conflicto. Al igual que Yubah, trabajó continuamente fuera de su estudio en su casa en Bingerville. No niega que el conflicto influyó en su trabajo, pero no es específico de la guerra civil del año pasado.
"¿Qué tema es más conflictivo [que la herencia africana] entre nosotros?", Preguntó. "Desde mis primeros pasos en las artes, conflicto es una palabra diaria … especialmente cuando queremos [anunciar el regreso] de la cultura en África y especialmente [en Costa de Marfil]".
Djeka me dijo que tiene los pies en la tradición, pero su cabeza en el modernismo.
Escultor Camara Demba
Una de las clientas de Stefan Meisel, Camara Demba, ha expuesto en Galerie Lelab y comparte un proceso artístico similar con Djeka en términos de fusión de lo tradicional y lo moderno.
Camara nació en el oficio de esculpir y comenzó a trabajar en esta forma de arte en su infancia. Desde temprana edad, adquirió un profundo conocimiento de los materiales y tradiciones más antiguas en la escultura marfileña. Las máscaras ancestrales inspiraron sus primeros trabajos: talló estatuas de madera y conchas incrustadas, tachuelas de metal y clavos en la obra de arte para imitar las marcas de escarificación.
En sus veintes, Camera le dio un giro moderno a su arte. Pudo acceder a los medios de comunicación occidentales e Internet y se vio fuertemente influenciado por los cómics de Manga y los escultores occidentales.
En 2000, logró cierto éxito y encontró un agente que facilitó la venta de sus obras en Europa; desafortunadamente, el agente tomó la mayor parte de sus ganancias. El escultor volvió a las formas tradicionales de arte para ganarse la vida, pero una reunión casual con Stefan en 2011 encendió su deseo de reingresar al mundo del arte contemporáneo.
El año pasado, produjo una colección llamada Demba Manga. En las 30 creaciones de Camara, objetos ancestrales y animales como pájaros, elefantes, antílopes y cocodrilos se mezclan con este mundo de ciencia ficción y videojuegos. Otros robots esculpidos tienen cuerpos africanos tradicionales, pero los colores vibrantes y las cabezas de los superhéroes Manga con ojos anormalmente grandes y cabello verde o azul.
En la casa de Stefan, vi algunas de las esculturas de Camara, hechas de madera pesada pintada. La densidad de la madera y el brillo de las pinturas los hacían parecer de plástico o metal.
Una de las esculturas parecía un astronauta; un pedal de bicicleta sobresalía de su cabeza y la mano izquierda era una parte reciclada de una impresora o refrigerador roto. Pero la escultura tenía los emblemas de la cultura marfileña tradicional: la escarificación del cuerpo, la cara en forma de máscara, las patas rotundas.
Stefan describió a Camara como un artista que formó parte de la "generación intermedia" después de la independencia de Costa de Marfil en 1960.
“Todavía no se ha separado de su tradición familiar, pero tampoco ha llegado con un estilo propio e independiente. Pero Camara Demba es una representación real de su tiempo y su generación: un precursor del arte contemporáneo africano, no copiando, sino influenciado en ambos sentidos. Si él [continúa así], será el [punto de referencia] para la próxima generación”.
Un artista, no un mendigo
La primera vez que vi al artista Adamo Traoré, lo instalaron junto a la entrada del centro comercial, Hypermarche Sococé, casi borrado por el polvo y el humo. Un paraguas grande estaba empalado en las varillas puntiagudas de la puerta del centro comercial. Debajo de esto, Adamo se sentaría y pintaría o revisaría su inventario.
El artista de 32 años pinta con un bolígrafo entre la barbilla y la punta del brazo restante. Nació sin extremidades inferiores ni brazos, pero puede caminar con una muleta. Antes de que llegue, un guardia de seguridad coloca sus pinturas a lo largo de las rejas pintadas de las puertas; luego, cuando Adamo llega en taxi desde Adjamé, un vecindario en Abidjan, el guardia lo ayuda a organizar sus papeles y lienzos, así como sus paletas de gouache (acuarela opaca).
Visité a Adamo a fines de mayo. Llegó a Sococé justo antes del mediodía, con una mochila en el cuerpo para guardar el dinero que recibe.
Me agaché bajo su paraguas para evitar el sol del mediodía. Era difícil creer que había estado aquí desde 2007; Aunque los propietarios de Sococé han sido generosos al compartir el espacio al aire libre con él, el entorno no es ideal. Aún así, puede producir quince dibujos al día, aunque la pintura que debe hacer después lleva mucho más tiempo.
Adamo en el trabajo
Sus pinturas muestran los paisajes de Costa de Marfil: exuberantes bosques ecuatoriales y lagos límpidos llenos de peces ("peces suficientes para todos", me dijo). Las pinturas de sus hijos presentaban a Dora la Exploradora en varios escenarios exóticos. La religión también figuraba bastante prominentemente: en una pintura, Jesús levantó una llama en súplica, su rostro enmarcado por una corona de rosas; en otro, hojas de palmera y un cielo verde azulado enmarcaban una mezquita.
Aunque las personas aprecian su arte, admitió que puede llevar meses hacer una venta y que el sol y la lluvia degradan sus pinturas. Tiene la esperanza de obtener un espacio de trabajo en interiores; Incluso después de cinco años en Sococé, su optimismo parecía no haber disminuido.
Cuando Adamo tenía nueve años, conoció al director de Providence, un centro para niños con discapacidades físicas; Su objetivo principal era hacer que los 200 niños del centro fueran independientes. Nacida en Francia, Marie Odile Bilberon dio la bienvenida a Adamo al centro y le enseñó a caminar, hablar francés y lavarse los dientes. Ella también le presentó al dibujo y le enseñó a configurar y armonizar colores. Participó en exposiciones y produjo tarjetas de felicitación que fueron vendidas por Providence para recaudar fondos para la institución.
Un día, su madre vino a Marie Odile para pedirle dinero y Marie Odile se negó. Adamo no podía creer que no podrían ahorrarle unos pocos francos a su madre después de todo lo que le había dado a la organización. En 2000, se fue y se mudó con amigos en el distrito de Abobo, donde suplicó en las calles para sobrevivir.
Pero en 2005, tomó la decisión de volver a pintar y finalmente se instaló en Sococé. Ha tenido pocas ausencias, excepto durante la crisis del año pasado, cuando se vio obligado a refugiarse en su casa en Abobo.
Le dije a Adamo que esta era mi primera compra de arte en África occidental y le pedí que eligiera qué pintura quería que tuviera. Primero, me mostró una pintura apagada en marrones y beiges. A primera vista, parecía un objeto amorfo que había sido enterrado en el suelo. Adamo me dijo que era una imagen de una matriz y que el bebé estaba físicamente discapacitado. Encima del bebé estaban las palabras "El aborto no está bien".
"No debes destruir lo que Dios te dio", dijo antes de pasar a la siguiente pintura; en ese, Jesús sostenía una vela.
"Me da coraje", dijo. "Soy un artista. No soy un mendigo”. Repitió esa frase varias veces ese día.
"Voy a tomar este", le dije. Cuando me acerqué para poner el dinero en su cartera, una mujer arrojó 5, 000 CFA ($ 10 USD) por la ventana de su auto. Adamo sonrió el tiempo suficiente para llamar su atención, luego regresó a su fajo de papeles y eliminó su última venta de la lista.
[Nota: Esta historia fue producida por el Programa de Corresponsales de Glimpse, en el que escritores y fotógrafos desarrollan narraciones de gran formato para Matador].
