Viaje
FRIDA declaró que su arte no era surrealista ni reflejaba sueños, a pesar de lo que pudieran parecer. Sus pinturas eran representaciones de su propia vida y emociones: "Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco".
1. La Columna Rota
La columna rota
Para Frida, la vida era una serie de problemas y desafíos. Cuando tenía dieciocho años tuvo un desastroso accidente de autobús. El dolor de sus heridas la haría sufrir por el resto de su vida. En esta pintura, Frida se desnudó de la cintura para arriba, usando una abrazadera de acero para sostener su cuerpo como los médicos le dijeron que hiciera.
Una gran abertura atraviesa su torso para revelar su columna rota. Cientos de uñas están incrustadas en su cuerpo, la de su corazón muestra una enorme tristeza. Podemos ver lágrimas en sus ojos y, detrás de ella, un fondo desolado. Todo el trabajo es un desesperado grito de dolor.
2. Frida y Diego Rivera
Frida y Diego Rivera
Kahlo trabajó en este retrato durante los primeros años de su matrimonio. Ella muestra a los dos mirando hacia adelante con expresiones serias, pero tomados de la mano como símbolo del gran amor que sienten el uno por el otro.
Frida se apegó a la realidad, mostrando cuán diferentes eran los tamaños de sus cuerpos. Diego era alto y corpulento; ella era pequeña y delgada. Desde el comienzo de su relación con Diego, Frida cambió la forma en que se vestía y adoptaba la ropa típica mexicana. Ella pintó a su esposo sosteniendo una paleta y un pincel en su mano derecha. Frida admiraba su talento artístico. A diferencia de otras obras, donde dominan exuberantes fondos y escenas coloridas, en esta imagen no hay nada que distraiga la atención de los dos personajes.
3. Autorretrato con el pelo suelto
Autorretrato con cabello suelto
“Aquí me pinté yo, Frida Kahlo, con mi reflejo en el espejo. Tengo 37 años y es Julio de 1947. En Coyoacán, México, el sitio en donde nací”, lee una banda al pie de la pintura. Definitivamente es un trabajo en el que ella busca reforzar su identidad, como lo indica la presencia del pergamino en primer plano con su mención de la ciudad donde nació.
Su cabello es protagonista en esta obra de arte. Al dibujarlo maravillosamente largo y grueso, busca la admiración de su esposo: Diego admitió que el cabello de Frida era una de las cosas que más amaba de ella.
4. Autorretrato en la frontera entre México y EEUU
Autorretrato en la frontera entre México y los EE. UU.
Cuando Diego fue invitado a trabajar en los Estados Unidos, tanto él como Frida se quedaron allí durante casi tres años. Diego amaba su nueva vida en un lugar donde su talento era apreciado. Pero para su esposa, el nuevo país perdió su encanto rápidamente.
Frida extrañaba a México y quería regresar. De esos sentimientos surgió esta pintura. Frida está en el centro de la imagen, en un pedestal, con un sencillo vestido rosa. El fondo está lleno de imágenes que evocan ambos países. Por un lado, su visión de México está representada por la naturaleza, el color vibrante y las imágenes de la cultura azteca. Por otro lado, en los Estados Unidos prevalecen la industria y la tecnología. Kahlo sostiene en su mano una pequeña bandera mexicana, que significa el lugar al que pertenece su corazón.
5. Hospital Henry Ford
El aborto natural que sufrió en 1932, mientras vivía en Estados Unidos, fue uno de los momentos más traumáticos de la vida de Frida. La vemos acostada en una cama de hospital, cubierta de sangre. De su estómago aún hinchado salen seis filamentos rojos y delgados que parecen ser cordones umbilicales. Cada uno de estos filamentos conecta su cuerpo con una imagen relacionada con el aborto: el feto de un bebé, "Dieguito", el hijo que deseaba tener pero que nunca tuvo; una flor morada que recibió como regalo de su esposo; un caracol que simboliza un aborto lento y doloroso; la figura del torso abierto de una mujer mostrando sus órganos (casi declarando que se separó de su cuerpo porque no había podido llevar a cabo el embarazo).
Pintó una máquina para reflejar todos los instrumentos fríos utilizados para el legrado uterino; y finalmente, a través de la imagen de su pelvis, transmite el dolor físico.
6. Autorretrato con collar de espinas
Autorretrato con collar de espinas
Frida pintó este retrato durante una época de crisis en su matrimonio. El elemento principal es el collar de espinas que se hunde en su cuello, un signo de dolor causado por su relación rota con Diego. Este símbolo proviene de la famosa Corona de Espinas, que es muy importante para los cristianos.
Del collar cuelga un colibrí negro y muerto, con sus alas extendidas en comparación con la forma de las cejas de Frida. El colibrí simboliza el final de su matrimonio. Sobre sus hombros hay un gato negro (un símbolo común de desgracia) y su mono (un regalo de Diego), que se ve distante e indiferente, tal como se sintió tratada por su esposo. En esta pintura, Frida lleva el vestido tradicional mexicano que ya se había convertido en parte de su propia identidad.
7. Las Dos Fridas
Dos fridas
Lo inevitable sucedió. En 1939, Frida y Diego se divorciaron. Estaba devastada y sus emociones se reflejaron en esta pintura. Ella dibujó dos Fridas idénticas, pero con diferentes personalidades. Una es la "Frida mexicana", de la que se enamoró Diego Rivera. La otra es "European Frida", la artista nueva e independiente que es reconocida mundialmente, pero también, la mujer que su esposo abandonó.
Sus corazones están expuestos sobre su ropa, y hay una delgada vena que los atraviesa a ambos, uniéndolos. Victoriana Frida sostiene unas tijeras quirúrgicas que cortan la vena en su regazo, y la sangre se derrama sobre su vestido blanco. Frida estaba experimentando un verdadero dolor, el tipo de dolor que la hacía sentir que podía sangrar por el dolor. Ambas mujeres se toman de la mano como si el artista aceptara que ella era la única persona que la entendía, la amaba y podía ayudarla a seguir adelante.
8. Diego en mis pensamientos
Pensando en Diego
A pesar de su divorcio, Frida nunca dejó de amar a Diego. Sabía que su ex marido no dejaría de tener relaciones con otras mujeres y nunca podría ser el marido que deseaba. Sin embargo, ella todavía tenía lugar para él en su corazón y sus pinturas.
En este autorretrato, ella pintó su rostro en la frente, en lugar del tercer ojo, siempre presente. Frida usa un elaborado vestido mexicano de tehuana, el favorito de Diego, tal vez en un intento por recuperar su admiración. Alrededor de su rostro, toda la pintura está llena de grietas, simbolizando las marcas en su alma.
9. Pobre venadito
Pobre ciervo
Hay una manera de saber cuándo una pintura de Kahlo expresa una sensación de dolor insoportable; en esos casos, Frida no pudo replicar el sufrimiento en su propio cuerpo y, por lo tanto, usó otras imágenes. En este caso, dibujó un ciervo con la cara sobre él.
El cuerpo del pobre animal está totalmente atravesado por flechas. Está solo y herido en medio del bosque. Frida pintó esta imagen después de una cirugía de columna que supuestamente disminuiría su dolor, pero por el contrario, trajo aún más dolores de espalda. En la esquina inferior izquierda de la obra, Frida garabateó la palabra "karma", que significa "destino".
10. El abrazo de amor del universo
El abrazo amoroso del universo
Muchos elementos hacen que este trabajo: representaciones mexicanas del día y la noche, la luna y el sol, la vida y la muerte, la Madre Naturaleza. En el centro de la imagen vemos a Frida abrazando a un Diego desnudo e infantil, que ilustra el gran amor que sentía por su esposo, un amor que estaba cambiando de forma. Al mismo tiempo, la imagen nos recuerda la incapacidad de Frida para procrear, que sin duda fue la gran herida en su vida.
